10 astuces pour bien composer une image

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Développer son oeil de photographe

Lorsqu’un photographe « compose », il organise les éléments d’une scène. Il décide ainsi du point d’attention de son image.

Pour cela, il va soigneusement:

– déterminer son sujet (un personnage, une nature morte, un objet, un paysage, un détail à accentuer, une situation insolite, une atmosphère)

– choisir une distance avec son sujet (plan large, en reculant, plan rapproché ou macro en zoomant…). Doit-il intégrer l’horizon afin de donner de la perspective à la scène?

– adapter sa position (plan fixe, filé)

– étudier son cadrage (portrait, paysage, diagonale, plongée, contre-plongée)

Par exemple un enfant photographié de la hauteur d’un adulte aura l’air « diminué »; en prenant la photographie à la hauteur de ses yeux, on traite le sujet en égal ; en prenant la photo en contre-plongée, on semble vouloir le dominer.

– faire le choix d’un premier plan et d’un arrière plan et créer une profondeur de champ, nulle ou importante.

– jouer avec la lumière (contrejour, surexposition, lumière rasante, halo, ombre, reflet) et créer des zones d’ombres.

– jouer avec les couleurs (en créant du contraste, en travaillant la monochromie) et les  textures.

Cette composition minutieuse et très personnelle lui permet de créer une atmosphère et de transmettre un message à celui qui lit son image.

Cette étape peut être très naturelle chez un photographe amateur. On parlera alors d’une très belle composition.

Quand une belle photo devient une photo intéressante

Pour qu’une photo esthétique devienne une photo intéressante, il faut lui ajouter un petit supplément d’âme, celui apporté par l’œil du Photographe.

Il existe alors une sèrie de règles à tester pour améliorer sa technique et mieux composer. En voici quelques unes :

1. Remplir le cadre

La façon la plus évidente d’éviter la présence d’éléments distrayants (et donc indésirables) dans une photo, consiste à les exclure, c’est-à-dire à cadrer la photo de façon à ce qu’ils se trouvent hors du champ.

C’est pourquoi il ne faut pas hésiter à cadrer serré (au-dessus du nombril pour un portrait, en zoomant sur des détails d’un sujet).

Le plan large a de l’intérêt principalement pour mettre en valeur un paysage.

Un portrait décentré (non aux pauses photo-de-classe ou retour-de-pêche!) permettra de rendre la photo plus vivante.

Enfin, photographes modernes, nous nous sommes affranchis de la boîte à lumière lourde et statique de nos arrières grands-pères. Liberté, liberté chérie! Alors, avant d’être rattrapés par l’arthrose, pourquoi rester les pieds vissés au sol? Cherche le meilleur angle et tourne autour de ton sujet pour créer la composition qui te ressemble.

2. Aménager trois niveaux de plan

Ces trois plans (premier plan, second plan, arrière plan) sont importants pour dynamiser l’image.

3. Utiliser la règle des tiers

C’est une règle générale qui est aussi valable en peinture et en dessin qu’en photographie.

La règle propose que l’image soit imaginée comme divisée en neuf parties égales, par deux lignes horizontales équidistantes et deux lignes verticales équidistantes, les éléments importants de la composition devant être placés le long de ces lignes ou de leurs intersections.

On appelle ces intersections les points forts de l’image. Les photographes utilisent souvent ces quatre points d’intersection pour créer une image équilibrée et esthétique. Typiquement, on retrouve une composition où le sujet principal est positionné sur l’un des quatre points et s’il y a un deuxième point d’attention, il sera situé du côté diamétralement opposé.

A contrario, un élément qui porte peu de sens situé sur l’un de ces points peut perturber la lecture de l’image.

L’idée est de décourager le placement du sujet au centre ou d’empêcher de diviser l’image en deux.

4. Appliquer la loi sur l’horizon

Une déclinaison de la règle des tiers est la loi de l’horizon, lorsqu’on travaille avec des paysages.

D’après cette loi, il faut placer l’horizon sur la ligne du bas (au tiers de la hauteur) pour donner la priorité au ciel ou sur la ligne du haut (aux deux tiers de l’image) pour donner la priorité à la terre.

5. Jouer avec les lignes

Les lignes de la composition permettent d’indiquer la direction à suivre par les yeux lorsqu’ils lisent une image. Si l’image possède des lignes fortes, on peut la rendre dynamique en faisant fuir ces lignes vers un coin. C’est encore une façon d’éviter la ligne centrale qui coupe l’image et la rend statique.

On peut aussi composer des images d’objets répétitifs, de façon à offrir à l’œil une multitude de détails. Selon le type d’objet, la répétition entraînera alors la création de lignes fortes.

Lorsque tu fais ta prise de vue, n’hésite pas également à t’appuyer sur les lignes naturelles du sujet afin de cadrer droit (l’horizon, une gouttière le long d’un toit, un arbre, la ligne d’une épaule…).

6. Appliquer la règle de l’impair

Elle suggère qu’un nombre impair d’objets donne une impression plus dynamique qu’un nombre pair. Ainsi, une photo avec plus d’un sujet devrait idéalement en comporter au moins trois, arrangés en forme de triangle.

C’est une des règles principales de la photographie culinaire.

7. Inclure des reflets et des ombres portées

Cela peut aider le cerveau à reconstruire des volumes. C’est aussi une façon astucieuse d’ajouter de l’information à la photographie : une image comportant un plan d’eau pourra ainsi contenir aussi une image de son environnement; un sujet pourra être vu sous deux angles dans un miroir.

Les ombres portées sur le décor fonctionnent un peu comme les miroirs. Elles permettent soit d’ajouter de l’information sur le sujet pour en faciliter la compréhension du volume, soit d’ajouter sur l’image des informations sur des éléments hors champ.

Les ombres portées sur le sujet permettent de « sculpter la lumière ».

8. Savoir patienter un peu pour laisser passer les indésirables sur une image (voiture, accrocs aux selfies devant un monument, nuage…)

9. Retenir son souffle au moment de déclencher pour éviter les flous de bougé. Tu peux également choisir le mode stabilisation de ton appareil photo s’il est en mode automatique, ou utiliser un pied pour une séance photo solo (les accompagnants apprécient rarement le plaisir des réglages).

10. Se faire confiance

L’art de la composition, c’est avant tout de l’entrainement. Alors charge ta batterie, vide ta carte mémoire et pars à la découverte de ton environnement. Pas besoin d’être au bout du monde pour trouver des sujets qui rendront le meilleur effet.

Dis-toi que concrètement, une photographie incorporera rarement un seul élément des règles de composition; dans l’immense majorité des cas, c’est la mise à profit de plusieurs règles qui créera un effet.

Par ailleurs, comme dans tous les arts, une démarche peut se baser sur le jeu avec les limites des règles, voire leur rejet.